Na Chasi est né dans les premiers mois qui ont suivi la libération de la région de Kyiv, alors que la ville réapprenait à être un lieu de rencontre. Le nom du projet, qui signifie « c’est le moment », répondait à l’expression courante « ce n’est pas le moment » — cette habitude de reporter la culture à des circonstances plus favorables. Je souhaitais créer un espace où artistes, musiciens et publics puissent renouer un dialogue vivant, réfléchir à leur expérience et se soutenir mutuellement.
Mon travail curatorial consistait à réunir l’art contemporain, la musique, la performance et la discussion au sein d’une expérience partagée. L’exposition et la programmation musicale offraient différentes manières de percevoir un même moment historique : par l’image, le son, la présence des corps et l’attention collective. Je m’intéressais aux liens nouveaux que ces rencontres font naître entre communautés indépendantes, à la manière dont l’expérience personnelle entre dans le débat public et à la capacité de la culture à faire entendre sa propre voix en temps de guerre.
La solidarité prenait ici une forme concrète : mettre en commun des lieux et des ressources, soutenir les artistes, leur permettre de poursuivre leur travail et de rencontrer leurs publics. Chaque édition cherchait à maintenir la continuité de la vie culturelle dans des conditions qui la perturbaient quotidiennement. Pour moi, Na Chasi est devenu une expérience d’action collective, témoignant de la capacité de la culture ukrainienne à s’organiser, à inventer de nouvelles formes de coexistence et à imaginer un avenir, même dans une profonde incertitude.
Andrii Siguntsov — commissaire du programme artistique, programmateur musical, directeur artistique et organisateur principal.
Retrouver une vie culturelle partagée après la libération de la région de Kyiv, à travers la musique, l’art contemporain et la solidarité entre communautés indépendantes.
« ne/na chasi » interroge la possibilité même de remettre l’art à des jours meilleurs. Art vidéo, installations, interventions et performances redonnent une dimension publique à l’expérience personnelle et ouvrent un espace de rencontre après l’isolement et la menace.
De nouvelles manières de voir et d’écouter : art numérique, NFT et réalité virtuelle aux côtés des musiques expérimentales et des scènes indépendantes.
L’exposition réunit des œuvres d’artistes contemporains, des médias numériques et des affiches de guerre. Le passage entre espace physique, NFT et expérience virtuelle permet d’examiner les transformations de la présence du public et de ses modes de relation à l’art.
L’indépendance culturelle comme capacité à façonner ses propres images, sa mémoire et son avenir, à travers l’art, la musique et le débat public.
L’exposition rapproche délibérément des images qui semblent incompatibles : l’expérience de la naissance, les violences de genre, l’humanisme et la diabolisation de l’ennemi. Cette dissonance émotionnelle déstabilise les habitudes de perception et interroge l’indépendance comme capacité à définir sa propre position dans le présent.
L’art comme témoignage de la guerre : peinture, photographie, arts médiatiques et performance en dialogue avec les communautés musicales de la ville.
Peinture, photographie, sculpture et performance transforment l’usine en un lieu de rencontre entre différents langages artistiques. Les œuvres abordent l’expérience intérieure de la guerre à travers les visages, les gestes du corps et une réinterprétation numérique de la douleur.
Mémoires personnelles et collectives de la guerre à travers la peinture, l’art vidéo et l’expérimentation musicale.
Les souvenirs personnels de la guerre, les traumatismes de l’enfance et la recherche de ses racines rencontrent ici l’exploration de la mémoire historique et de l’espace urbain. L’exposition envisage l’image artistique comme un moyen de travailler l’expérience vécue et de préserver sa capacité d’agir sans se réduire à une position de victime.
« Unité d’esprit » : la rencontre de communautés indépendantes autour du corps, de l’identité et de la liberté d’être différents.
La corporéité, les identités queer et les expériences des femmes traversent une exposition qui réunit installations, peinture, objets, collages, photographie et art vidéo. Les œuvres explorent la sexualité, la recherche et la redéfinition de la féminité ainsi que les transformations de l’identité ukrainienne pendant la guerre, en considérant la visibilité et la diversité comme des dimensions d’une expérience culturelle commune.
Les liens entre générations dans la culture contemporaine : art vidéo d’Odesa, nouvelle scène pop, performance et jeune poésie.
L’art vidéo issu de la collection du Musée d’art moderne d’Odesa rencontre des interventions artistiques et les improvisations en direct de l’école DAKH. L’exposition relie ainsi plusieurs générations et temporalités de l’art, ouvrant les œuvres historiques à de nouvelles lectures par la présence des corps, le son et l’espace du festival.
La dernière édition explore la guerre et la fin de la mondialisation telle que nous la connaissions, à travers une exposition d’art contemporain, une performance de {liniyi} et trois scènes musicales.
L’exposition aborde la fin de la mondialisation telle que nous la connaissions : la guerre rompt les liens économiques et transforme notre perception de l’interdépendance du monde. Les œuvres rapprochent ces bouleversements des expériences personnelles de la perte, de la matérialité et de la recherche de nouveaux liens.
Artistes
Zhanna Kadyrova·Roman Mykhailov·Vasia Dmytryk·Vitalii Kravets·Vitryna·Go.Ra·V. Chekhuta·Dmytro Voitovych·Vladyslav Cherepovskyi·Tse Ya Nikita
